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Un nouveau film mettant en vedette la légende de Sedna est sorti au cinéma d’Iqaluit, mais tout le monde n’en est pas content

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Une comédie musicale primée basée sur la légende inuite de Sedna, la déesse de la mer arctique, présentée ce mois-ci à l’Astro Theatre d’Iqaluit.

Le film d’animation pour enfants contient des thèmes d’amour et de courage et comprend également une chanson contre l’intimidation.

Cependant, pour au moins une mère d’Iqaluit, les films ont soulevé des inquiétudes, notamment en ce qui concerne la représentation de la culture inuit.

Jerry Thevenet, originaire de NunatuKavut au Labrador, a écrit, animé et produit Sedna, impératrice de la mer, a déclaré que le récit de sa grand-mère sur la légende inuit avait inspiré l’écriture du film. Il a remporté plusieurs prix, dont celui de la meilleure chanson originale aux prestigieux Cannes Film Awards en France.

L’intention du film, a-t-il dit, est d’utiliser la légende comme amorce de conversation pour les enfants sur les pensionnats.

« J’essayais de créer un film que je pourrais utiliser pour initier les jeunes enfants au concept des pensionnats », a déclaré Thevenet.

« Je ne voulais pas quelque chose qui était sombre et qui allait les effrayer … Je voulais proposer une idée qui, je pense, pourrait inciter les petits enfants à regarder et à se fiancer. »

Jerry Thevenet est l’animateur et le producteur du film pour enfants « Sedna, Empress of the Sea ». (Jerry Co Animation)

Thevenet a dit qu’il avait embelli l’histoire de Sedna.

« Je l’ai transformé en une sorte de comédie musicale des années 1960, vous savez, une musique très colorée et très vivante qui attirera les enfants », a-t-il déclaré.

« J’ai pris beaucoup de libertés. Vous savez, je reçois beaucoup de flack … les gens disent, eh bien, ce n’est pas la vraie histoire. Eh bien, ce n’est pas censé être la vraie histoire. Ce sont mes souvenirs de ça conte que m’a raconté ma grand-mère. »

Il a également dit que c’était « vraiment destiné à plaire aux enfants de toutes les cultures et aux enfants de partout au Canada ».

« C’est mal éduquer les gens sur notre culture »

Andrea Andersen d’Iqaluit a déclaré avoir été choquée lorsqu’elle a réalisé de quoi parlait le film.

Elle a dit avoir contacté Thevenet pour lui faire part de ses inquiétudes concernant les informations présentées dans le film spécifiquement sur les Inuits.

D’une part, elle a dit que le film « ne portait même pas sur Sedna, mais sur les pensionnats », ce à quoi elle ne s’attendait pas.

« Il doit y avoir un avertissement de déclenchement, il doit avoir une toute nouvelle refonte car l’animation est incroyable mais le scénario et la façon dont il a été décrit ne l’étaient pas. »

D’autres aspects qui ne correspondaient pas à Andersen incluent une scène d’une version stéréotypée d’un baiser inuit traditionnel, qu’elle a dit qu’elle devait expliquer à sa fille était incorrecte après avoir vu le film.

« Ils ont fait un baiser esquimau sur le nez. Et ce n’est pas comme ça qu’on s’embrasse, ils reniflent sur la joue. Et c’est une vision stéréotypée de la façon dont les médias le décrivent. Et c’est totalement faux », a déclaré Andersen.

« Et puis ma panique a pensé que c’était comme ça qu’on devait s’embrasser et j’ai dû lui expliquer non, ce n’est pas ce qu’on fait. »

Une affiche pour « Sedna, impératrice de la mer ». Une mère d’Iqaluit dit qu’elle est préoccupée par la façon dont le film dépeint la culture inuit. (Site de Jerry Co Animation)

De nombreux mots en inuktitut ont également été mal prononcés, a déclaré Andersen.

« Pendant que nous regardions le film, l’un des enfants a en fait crié qu’il prononçait mal les mots et les gens dans le public ont commencé à rire parce que [the child’s statement] était correct – ils ne disaient pas les choses correctement.

« J’étais très inquiète et confuse. Il y avait beaucoup de choses dans l’histoire qui n’avaient pas vraiment de sens », a-t-elle déclaré.

Parmi les autres préoccupations d’Andersen, il y avait les vêtements qui lui semblaient «plus basés sur les Premières Nations que les Inuits», et qu’un jeune personnage avait déjà des tatouages ​​faciaux.

« Vous ne faites votre premier tatouage que lorsque vous devenez majeur », a-t-elle déclaré.

Andersen a déclaré qu’elle appréciait la production du film en termes de visuels.

« L’animation était géniale », a-t-elle déclaré. « C’était comme un film de Disney. »

Au cœur du problème pour Andersen était qu’elle estimait que le film était un reflet incorrect de la culture inuit.

« En tant que parent, vous êtes ravi que votre enfant voie des choses modernes sur notre culture. Et puis quand vous allez voir ce film, c’est une mauvaise représentation de celui-ci », a déclaré Andersen.

« C’est mal éduquer les gens sur notre culture. Et c’était très préoccupant, car ce film a remporté de nombreux prix et reconnaissances internationales pour sa projection. »

Elle a dit qu’elle ne pensait pas qu’il était approprié de fusionner plusieurs cultures autochtones en une seule dans ce contexte.

« Lorsque vous essayez d’éduquer, vous ne les mettez pas tous ensemble. Et c’est ce qui s’est passé dans ce film », a-t-elle déclaré.

Elle a ajouté qu’elle pense qu’il ne devrait pas être montré davantage et qu’il devrait faire l’objet d’un examen, en particulier d’un examen incluant les Inuits de chaque région.

Le long métrage sera largement diffusé au Canada en décembre, en commençant par l’Ontario.

« Révérence » à la communauté d’origine de Thevenet

En ce qui concerne son film, Thevenet a déclaré qu’il voulait incorporer plusieurs cultures autochtones de partout au pays.

« C’est vraiment difficile de trouver la solution parfaite pour tout. Vous savez, c’est brutalement difficile de faire un film comme ça. Cela m’a pris cinq ans, ça m’a presque tué », a-t-il déclaré, ajoutant qu’il devait personnellement payer la moitié de la production du film après l’échec de certains des fonds qu’il avait obtenus.

Thevenet n’a pas été en mesure de donner le montant du coût du film.

Tanya Kelen, qui est distributrice et productrice exécutive pour JerryCo Animation, l’organisation derrière le film, a déclaré avoir « testé » le film avec des enfants de la région du Labrador pour s’assurer que le message autour des pensionnats était approprié.

« Nous avons eu d’excellents commentaires du public des écoles qui l’ont vu », a-t-elle déclaré.

« Nous ne pensons pas qu’il ait vraiment besoin d’un avertissement déclencheur à ce stade. Et c’est quelque chose que nous pouvons examiner si nous recevons de plus en plus de commentaires de ce type », a-t-elle déclaré.

Et, dit-elle, le film rend globalement « respect à la communauté dans laquelle Jerry est né ».

Il est prévu de proposer une « version locale » pour le Nunavut, a ajouté Kelen, et des tests du film seront effectués dans d’autres régions inuites.

Tension autour de la communauté NunatuKavut

La biographie de Thevenet sur le site Web du film indique qu’il est né au NunatuKavut et qu’il est d’origine européenne et autochtone.

La tension autour de l’identité de la communauté a fait surface dans l’actualité au fil des ans. L’année dernière, Inuit Tapiriit Kanatami, qui représente les Inuits au Canada, a envoyé une lettre au premier ministre Justin Trudeau rejetant la position du NunatuKavut Community Council (NCC) selon laquelle il s’agit d’une organisation inuite distincte. Dans la lettre, ITK demandait au gouvernement fédéral d’exclure la CCN de tous les programmes, politiques et avantages fédéraux pour les Inuits.

La CCN dit qu’elle représente environ 6 000 Inuits et personnes d’origine inuite dans le sud et le centre du Labrador; il était connu sous le nom de Labrador Métis Council jusqu’en 2010, date à laquelle il a déclaré avoir changé de nom pour refléter l’héritage de ses membres.

En septembre 2019, Ottawa a signé un protocole d’entente avec le NunatuKavut, reconnaissant ses membres comme Autochtones en vertu de l’article 35 de la Loi constitutionnelle.

Cette note de service a suscité des réactions négatives de la part de la nation innue, qui représente les Innus au Labrador, et du gouvernement du Nunatsiavut, qui couvre les Inuits du nord du Labrador. En septembre 2021, les deux groupes ont rejeté la revendication territoriale de CNC, bien que le gouvernement du Nunatsiavut ait déclaré que CNC pourrait avoir des membres autochtones.

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La scène hip-hop québécoise est plus bilingue que jamais — mais les maux de tête linguistiques persistent

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En grandissant dans la petite ville francophone de Rouyn-Noranda au Québec, Zach Zoya n’a pas eu accès à beaucoup de musique hip-hop. L’artiste, dont la langue maternelle est le français mais qui se produit en anglais, dit que ses sœurs lui ont fait découvrir un nouveau son à l’adolescence.

« C’est à ce moment-là que j’ai goûté au hip-hop pour la première fois : les premiers Kanyes, les premiers Drakes, les premiers 50 Cents », a-t-il déclaré à CBC News.

Zoya fait partie d’une scène hip-hop et rap anglophone naissante au Québec, parallèle à la signature de la province rap queb son – une tradition majoritairement francophone marquée par l’utilisation du franglais, mélangeant le français et l’anglais, et de l’argot québécois, connu sous le nom de joual.

Autrefois considérées comme des marchés entièrement distincts avec des publics différents, les deux industries sont de plus en plus étroitement liées, réécrivant le hip-hop québécois comme une activité bilingue.

« J’ai eu beaucoup de chance de venir à un moment formidable pour le hip-hop à Montréal », a déclaré le jeune homme de 24 ans, qui a émergé sur la scène lorsqu’il a commencé à rapper à 16 ans. Il a fait la première partie d’éminents groupes de rap francophones comme Loud et Ensemble Alaclair.

« Je pense que maintenant plus que jamais, nous avons une scène bilingue, ce qui, je pense, était très ségrégué, faute d’un meilleur mot… J’aime penser que nous arrivons à un point où il n’y a qu’une seule grande scène . »

Mais l’injection d’un esprit collaboratif et bilingue dans le hip-hop québécois n’est pas sans difficultés dans une province où le protectionnisme français est une considération importante pour les artistes et les organisations, selon ceux qui travaillent dans l’industrie.

Problèmes de langue

Une pollinisation croisée entre les scènes de rap anglophones et francophones au Québec devient de plus en plus courante, selon Steve Jolin, le fondateur du label de rap montréalais 7ieme Ciel.

Il mentionne des rappeurs québécois comme FouKi et Nate Husser, qui ont sorti ensemble un titre franglais très médiatisé intitulé Sauce Poutine en 2021 — et Zoya, que dirige Jolin, a collaboré avec le rappeur francophone Imposs sur un remix de sa chanson Recommencer.

REGARDER | Le clip de Sauce Poutine de FouKi et Nate Husser :


Le défi pour les artistes anglophones du Québec est double, dit Jolin : ils doivent s’établir dans le marché à prédominance francophone de leur province d’origine tout en trouvant un moyen de se démarquer dans le marché anglophone sursaturé.

« Il existe actuellement un système au Québec qui est très orienté vers le français », a-t-il déclaré. La scène hip-hop anglophone du Canada, quant à elle, est fortement concentrée à Toronto et à Vancouver.

« Il devient donc plus difficile pour les artistes anglophones du Québec de se démarquer comme l’un des nombreux artistes du Canada qui essaient de faire leur marque. »

Bien que vous puissiez réussir en tant qu’artiste hip-hop français au Québec (tournant 35 à 40 dates par an dans la région, selon l’estimation de Jolin), certains artistes francophones choisissent plutôt de travailler en anglais pour toucher un public plus large.

Le producteur lavallois Kevin Vincent, qui interprète HighKlassified, a travaillé avec Zach Zoya, The Weeknd et Future. (Audrey Alexandrescu)

Kevin Vincent, un producteur de Laval, au Québec, qui compte parmi ses collaborateurs Zoya, The Weeknd et Future, a suivi la voie anglaise et travaille maintenant majoritairement avec des artistes américains. Mais il craint que cela ne le désavantage pendant le processus de demande de subvention.

« Ça dépend [on] à quel point vous voulez être reconnu dans votre ville et cela dépend de votre objectif », a-t-il déclaré. « Parce que si votre objectif est simplement d’exploser et d’obtenir une reconnaissance internationale, vous n’avez pas vraiment à vous soucier d’avoir le timbre du Québec. [of approval]. »

« L’anglais aura plus d’opportunités dans le monde, mais moins de soutien du Québec en termes de subventions et de prix », a-t-il ajouté.

Une récompense conditionnelle

L’industrie de la musique au Québec maintient depuis longtemps une solide infrastructure de soutien aux artistes francophones afin de protéger la langue et la culture françaises. Les subventions du secteur français de la province ont généralement des stipulations liées à la langue pour s’assurer que la majorité des projets d’un artiste sont en français.

Musicaction, qui opère sous le Fonds de la musique du Canada en tant qu’organisme subventionnaire français, a déclaré à CBC News dans un courriel que les projets individuels doivent être composés de contenu à 70% français.

Certains des artistes les plus réussis de la province des années 2010 – comme Dead Obies, qui rappe en anglais, en français et en créole haïtien – ont attribué à la langue des allers-retours en permettant une plus grande flexibilité dans leurs styles de rap.

Mais ce groupe a tristement dû rendre une subvention Musicaction de 18 000 $ lorsque leur album de 2016 Gesamtkunstwerk n’était pas admissible selon les lignes directrices de l’organisme. Il n’était pas non plus admissible aux termes de l’homologue anglophone de Musicaction, FACTOR.

REGARDER | Recommencer de Zach Zoya feat. Benny Adam :


Zoya a déclaré que les stipulations sont une nécessité pour la survie de la langue française au Québec et dans le reste du Canada, mais ajoute que les règles peuvent entraver le processus de création, en particulier lors de collaborations interlinguistiques.

« Même les groupes français doivent faire face au fait que si vous demandez à un groupe anglais de faire le refrain ou de faire un couplet sur votre chanson, vous devez vous assurer que la chanson est toujours majoritairement française », a déclaré Zoya. « Donc, ce genre de raccourcit le processus de création. »

« J’aimerais que ce soit mieux », a-t-il ajouté.

Zoya dit qu’il bénéficie principalement de subventions fédérales. Jolin dit qu’un problème commun aux artistes anglophones du Québec est qu’ils ne savent pas souvent à quoi ils sont éligibles. Parmi leurs options figurent le Radio Starmaker Fund et le programme Orion, ainsi que des programmes offerts par le Conseil des arts et lettres du Québec, a-t-il dit.

« Vous pouvez faire votre marque, mais c’est très difficile en ce moment de se démarquer d’être à Montréal », a-t-il dit, ajoutant que le rap est un genre « territorial » en raison de sa nature hautement référentielle.

« Ces choses prennent du temps »

Naya Ali, une rappeuse éthiopienne-canadienne basée à Montréal, a déclaré que la scène française reste plus distinctive que la scène anglaise relativement jeune.

Son morceau bilingue Parler de chèvre (Remixer) a réuni l’artiste hip-hop d’origine marocaine et montréalaise Benny Adam et le rappeur québécois White-B.

Une femme portant une veste colorée.
Naya Ali est une rappeuse éthiopienne canadienne qui dit que la scène hip-hop anglophone du Québec est toujours en lice pour le succès international. (Radio-Canada)

La scène anglophone est « encore assez naissante, elle n’en est qu’à ses balbutiements », a-t-elle déclaré. « Il y a quelques-uns d’entre nous qui ont traversé les frontières internationales et apportons les sons d’où nous venons, mais c’est surtout Toronto. »

« Ce n’est pas une mauvaise chose », a-t-elle déclaré. « Ces choses prennent du temps. »

« La jeune génération aime vraiment, vraiment la musique québécoise », a déclaré Vincent. « Parce qu’à l’époque où j’ai commencé, la plupart des gens autour de moi [usually said that] ils vont donner la priorité à la musique américaine. »

Zoya – qui, contrairement à son pair Ali, se considère comme un rap queb artiste « pour le simple fait que je rappe, et que je suis [Quebecois] »- dit que le hip-hop québécois n’a pas encore tout à fait fait sa percée sur la scène mondiale.

« C’est mieux que jamais, mais je pense qu’il y a encore trop de séparation pour que nous venions en tant que groupe pour former une identité forte que tout le monde puisse reconnaître à l’échelle internationale, mondiale. »

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Paco Rabanne, célèbre créateur de mode et parfumeur, mort à 88 ans

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Paco Rabanne, le créateur espagnol d’origine connue pour ses parfums vendus dans le monde entier et ses vêtements métalliques de l’ère spatiale, est décédé, a annoncé vendredi le groupe propriétaire de sa maison de couture sur son site Internet.

« La Maison Paco Rabanne souhaite rendre hommage à notre créateur et fondateur visionnaire décédé aujourd’hui à l’âge de 88 ans. Parmi les figures de mode les plus marquantes du XXe siècle, son héritage restera », a déclaré Puig dans un communiqué.

Le journal Le Télégramme en Bretagne a cité le maire de Vannes, David Robo, disant que Rabanne est décédé à son domicile de Portsall, dans le Finistère.

Rabanne se tient avec l’un de ses modèles sur une photo non datée d’un défilé de mode russe à Moscou. (Getty Images)

La maison de couture de Rabanne présente ses collections à Paris et devrait dévoiler les dernières créations de prêt-à-porter de la marque lors de la semaine de la mode du 27 février au 3 mars.

Il était connu comme un designer rebelle dans une carrière qui s’est épanouie avec sa collaboration avec Antonio et Mariano Puig, une entreprise espagnole qui possède désormais également d’autres maisons de design, dont Nina Ricci et Jean Paul Gaultier.

« Paco Rabanne a rendu la transgression magnétique. Qui d’autre pourrait inciter les Parisiennes à la mode [to] réclamer des robes en plastique et en métal ? Qui d’autre que Paco Rabanne pourrait imaginer un parfum appelé Calandre – le mot signifie « gril d’automobile », vous savez – et en faire une icône de la féminité moderne ? », indique le communiqué.

Plusieurs modèles sont présentés sur un défilé de mode dans un plan large.
Les mannequins présentent des créations pour Rabanne le 12 mars 2001 à Paris dans le cadre des collections de prêt-à-porter automne et hiver de cette année-là. (Jean-Pierre Muller/AFP/Getty Images)

‘Métallurgiste de la mode’

Le parfum Calandre a été lancé en 1969, le premier produit de Puig en Espagne, en France et aux États-Unis, selon le groupe.

Né Francisco Rabaneda y Cuervo en 1934, il fuit le Pays basque espagnol à l’âge de cinq ans pendant la guerre civile espagnole, et prend le nom de Paco Rabanne.

Un homme à moustache vêtu de vêtements sombres est représenté avec deux mannequins richement vêtus.
Rabanne est montré avec des mannequins affichant sa collection de robes en papier de 1973, le 22 janvier 1973. (Bernard Ferret/Associated Press)

Il a étudié l’architecture à l’Académie des Beaux-Arts de Paris avant de passer à la couture – sur les traces de sa mère, qui était couturière en Espagne – où, a-t-il dit un jour, elle a été emprisonnée à un moment donné pour s’être habillée de façon « scandaleuse ».

Il a commencé sa carrière en dessinant des sacs à main et des chaussures haut de gamme, avant de se lancer dans la mode, en concevant des vêtements et des bijoux avec des matériaux non conventionnels tels que le métal et le plastique. Sa première maison de couture a ouvert ses portes au milieu des années 1960.

Dans la première collection à son nom, il présente « 12 importables habillés de matières contemporaines ». Ses tenues innovantes étaient faites de divers types de métal, y compris sa célèbre utilisation du courrier, mieux associée aux chevaliers médiévaux.

Coco Chanel aurait appelé Rabanne « le métallurgiste de la mode ».

« Mes collègues me disent que je ne suis pas un couturier, mais un artisan et c’est vrai que je suis un artisan. … Je travaille de mes mains », a-t-il déclaré dans une interview dans les années 1970.

Dans une interview donnée alors qu’il avait 43 ans et maintenant détenue à l’Institut national de l’audiovisuel de France, Rabanne a expliqué sa philosophie radicale de la mode.

« Je pense que la mode est prophétique. La mode annonce l’avenir », a-t-il déclaré, ajoutant que les femmes étaient les précurseurs de ce qui se profile à l’horizon.

« Quand les cheveux gonflent, les régimes tombent », a déclaré Rabanne. « Quand les cheveux sont lisses, tout va bien. »

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Les bandes sonores de jeux vidéo obtiennent leur propre catégorie Grammy cette année

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Longtemps reléguées aux marges, les bandes sonores de jeux vidéo sont enfin reconnues dans leur propre catégorie aux Grammy Awards de cette année.

Cinq nominés participeront au spectacle de dimanche, sur les 70 partitions originales soumises pour la première année de la catégorie. Les nominés sont les compositeurs Austin Wintory pour Extraterrestres: Fireteam EliteStéphanie Economou pour Assassin’s Creed Valhalla : L’Aube du RagnarokBear McCreary pour Appel du devoir : avant-gardeRichard Jacques pour Merveille’s Gardiens de la Galaxie et Christopher Tin pour Vieux Monde.

Le succès de la musique de jeux vidéo coïncide avec la croissance globale du marché mondial des jeux, qui en 2022 a généré des revenus totaux de 184,4 milliards de dollars américains et devrait atteindre 211,2 milliards de dollars américains de revenus d’ici 2025, selon la société d’analyse de données Newzoo.

L’industrie du jeu vidéo a également prospéré pendant la pandémie de COVID-19, les gens se tournant de plus en plus vers le divertissement numérique pendant les fermetures.

« Ce n’était qu’une question de temps avant que les Grammys ne reconnaissent qu’il y avait beaucoup de bandes sonores produites pour les jeux vidéo et elles sont toutes très bonnes », a déclaré Tin à Reuters.

Boites de conserves Baba Yétu thème du jeu Civilisation IV a remporté le Grammy du meilleur arrangement instrumental en 2011, faisant de lui le premier nominé et gagnant du jeu vidéo, tandis que la bande originale de Wintory pour le jeu Voyage a été nominé dans la meilleure bande originale pour les médias visuels en 2012.

« Les jeux vidéo font des vagues avec de nouvelles sources de revenus depuis un certain temps », a déclaré Uziel Colon, qui a aidé à développer la nouvelle catégorie, aux Grammys. « Dans le futur, les jeux vidéo et la musique fusionneront – c’est déjà en train de se produire. »

Éligible depuis 1999, une seule nomination

Cependant, la musique de jeu vidéo n’a pas toujours atteint toutes les bonnes notes pour être spécifiquement reconnue aux Grammys.

« La musique de jeux vidéo est éligible aux Grammys depuis 1999, et une seule partition avait déjà été nominée auparavant, c’était il y a dix ans. Il y a des gens qui, je pense, n’en étaient pas satisfaits », a déclaré Wintory à Reuters.

Wintory a déclaré que les jeux vidéo n’étaient pas nominés du tout lorsque la catégorie dans laquelle ils appartenaient était la meilleure bande originale pour le cinéma, la télévision et d’autres médias, car le fait d’être étiqueté d’autres médias les « marginalisait » comme une sorte de catégorie diverse.

Mais la musique de jeu innove grâce à l’innovation technologique et à de nouvelles possibilités pour les consommateurs d’en faire l’expérience.

Cela inclut des concerts de jeux vidéo immersifs en direct, des partitions de jeux vidéo sur des plateformes telles que YouTube, Twitch, TikTok et Fortnite, des remixes et des collaborations, la réalité augmentée et virtuelle, et même la technologie de suivi oculaire.

Economou a déclaré à Reuters que la reconnaissance des Grammys confirme que la musique de jeux vidéo façonne « le paysage musical de la société ».

« C’est une collaboration étroite »

McCreary, qui a composé de la musique pour des émissions populaires comme Battlestar Galactica, Les morts-vivants et Le Seigneur des Anneaux : Les Anneaux de Pouvoir pense que composer pour des jeux, des films et des émissions de télévision n’est pas si différent.

« Pour moi, l’histoire et le thème sont universels », a-t-il déclaré à Reuters.

Le compositeur Bear McCreary pose avec l’Emmy pour la musique originale exceptionnelle du thème principal du titre Da Vinci’s Demons lors de la 65e Primetime Creative Arts Emmy Awards à Los Angeles en septembre 2013. (Jonathan Alcorn/Reuters)

Pourtant, il a déclaré que les jeux vidéo présentaient des défis uniques pour les compositeurs, car ce sont des expériences interactives et non uniquement visibles par le public.

La musique doit « fonctionner dans une capacité technique unique, au-delà du simple support narratif », a-t-il déclaré.

La collaboration avec les développeurs de jeux et les équipes audio informe sur sa capacité à écrire de la musique qui peut être intégrée en douceur dans un jeu vidéo.

« C’est une collaboration étroite qui ne ressemble à rien d’autre dans l’industrie du divertissement », a déclaré McCreary.

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