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Spotify Wrapped fait sensation sur les réseaux sociaux. Son impact sur les artistes et les auditeurs est discutable

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Pour certains, c’est Noël. Pour les astronomes, c’est le solstice d’hiver. Mais pour littéralement des millions d’autres, décembre signifie quelque chose de différent – pour eux, c’est le mois Spotify Wrapped.

La campagne mastodonte, qui en est actuellement à sa sixième année officielle, regroupe les statistiques d’écoute des utilisateurs de Spotify et les numéros de streaming des musiciens dans des volets facilement partageables. Pour certains fans de musique, cela en est venu à définir en partie la saison des fêtes.

Il prend le contrôle des médias sociaux pendant au moins quelques jours après sa première le 1er décembre et est devenu suffisamment grand pour que d’autres géants du streaming l’aient singé eux-mêmes, YouTube et Apple Music ayant récemment sorti leurs propres versions.

Ce qui a commencé comme un petit projet parallèle a explosé en ce qui est essentiellement une campagne publicitaire de plusieurs millions de dollars. L’impact tangible de Wrapped sur les statistiques d’écoute est encore discutable ; tout comme le fait que le projet stimule Spotify lui-même, par rapport aux avantages qu’il procure aux artistes.

On ne sait pas non plus pourquoi les utilisateurs sont si séduits par l’idée de voir leurs données privées emballées et revendues. Un groupe de défense des droits numériques a décrit Wrapped comme un « modèle commercial… basé sur la surveillance » dans un récent article du magazine Wired.

Jem Aswad, rédacteur musical adjoint de Variety, a déclaré que le véritable avantage de la campagne pour Spotify est difficile à mesurer. Dans un champ encombré de sondages de critiques de fin d’année et de revues rétrospectives, il est presque impossible de déterminer ce qui a eu le plus d’impact, malgré le fait que les téléchargements d’applications augmentent généralement en décembre. Les téléchargements Spotify ont bondi de 21% ce mois-là en 2020, selon la société de marketing MoEngage.

ÉCOUTEZ | Spotify Wrapped est-il le meilleur moyen de soutenir les musiciens ?

Jusqu’à la vitesse7:07La meilleure façon de soutenir vos artistes préférés ? Cet artiste dit qu’il faut bien plus que partager vos statistiques Spotify Wrapped sur les réseaux sociaux

Quel artiste était en tête de vos statistiques Spotify Wrapped ? Un musicien de Winnipeg espère que vous le soutenez autrement que par des streams. L’artiste indépendante de Winnipeg Ila Barker partage sa réaction mitigée sur le site de diffusion en continu avec Faith Fundal.

Ce n’est pas une mince affaire pour l’une des plus grandes plateformes de streaming musical sur Terre.

Sur environ 525 millions d’abonnés aux services de streaming musical dans le monde, Spotify détient une part de marché d’environ 30 %, selon Midia Research, un cabinet de conseil en divertissement.

Accroître la reconnaissance de sa marque grâce à la campagne Spotify Wrapped est une « herbe à chat » pour le service de streaming et son personnel, a déclaré Aswad.

Le véritable objectif de Wrapped est que les utilisateurs partagent des captures d’écran des listes qui leur sont fournies, qui incluent en évidence le logo Spotify, a-t-il déclaré. « Parce que c’est à la fois approuver Spotify d’une manière indirecte, et cela rend vraiment la chose plus populaire. »

« C’est une utilisation brillante des médias sociaux »

Mais l’aspect le plus puissant est que Wrapped fonctionne à la fois comme un service commercial et comme un service, a-t-il déclaré, aidant la promotion à susciter l’intérêt des utilisateurs.

« La raison pour laquelle Wrapped et des choses comme ça sont devenus le phénomène qu’ils ont … c’est à la fois une question de musique et de personne », a-t-il déclaré. « C’est une réflexion. C’est une utilisation brillante des médias sociaux – ou la tactique des médias sociaux — pour permettre aux gens de dire quelque chose sur eux-mêmes. »

Le fait que ce genre de projet fonctionne reste un mystère pour certains observateurs. Les inquiétudes concernant le suivi en ligne couvent. Apple a autorisé les utilisateurs à le désactiver pour certaines applications plus tôt cette année — menaçant toute la stratégie commerciale de Facebook – il semble donc étrange qu’une fonctionnalité basée sur le partage de données personnelles décolle.

Mais Kimeko McCoy, journaliste indépendante et spécialiste du marketing numérique basée à Atlanta, a déclaré que cette tendance pouvait contribuer à attiser le désir.

« Il y a une faim, si vous voulez le dire ainsi, pour les gens : » Si vous allez utiliser mes données, faites en sorte que cela en vaille la peine «  », a-t-elle déclaré. « Et il semble que c’est un peu ce avec quoi Spotify a mis le doigt sur la tête. »

Cependant, l’effet d’entraînement conduit à plus qu’une simple campagne publicitaire de base. Alors que les utilisateurs de Spotify partagent leurs listes Wrapped et suscitent potentiellement le désir de la seule application qui offre actuellement des analyses aussi détaillées, certains artistes disent que cela noie les critiques valables sur la façon dont le service de streaming les rémunère.

« Chaque année, je me demande pourquoi les graphiques Spotify Wrapped ne nous disent jamais combien d’argent nous avons gagné grâce à Spotify – par rapport aux revenus que notre musique a générés pour la plate-forme », a écrit la rappeuse canadienne Masia One dans un post sur Facebook, partageant sa propre version modifiée de la tendance.

« Cette année, j’ai modifié mon Spotify Wrapped pour refléter les chiffres qui affectent ma vie et ma durabilité en tant qu’auteur-compositeur et artiste. »

Le groupe syndical américain Union of Musicians and Allied Workers (UMAW) a adopté une position similaire, créant une campagne parallèle – « Spotify Unwrapped » – pour mettre en évidence les bas salaires que les artistes reçoivent pour les flux sur l’application.

Quant à l’effet immédiat de Wrapped sur les artistes, les réponses couvrent toute la gamme. Aswad a déclaré que des musiciens de renom avec des milliards de flux pour l’année comme Taylor Swift ou The Weeknd verraient probablement un avantage observable à des dizaines de milliers de messages partageant leur musique.

Pendant ce temps, Ralph, un auteur-compositeur-interprète de Toronto, qui a accumulé 5,7 millions de flux cette année, a déclaré que Wrapped avait initialement fait plus de mal que de bien. Débutant en tant que musicienne, voir des pairs publier leurs numéros de streaming à la fin de l’année a transformé leur carrière en une compétition très publique – une compétition qu’elle craignait de perdre.

« C’était vraiment difficile pour moi, en fait. J’ai dû poser mon téléphone », a-t-elle déclaré. Cependant, au fur et à mesure que sa carrière s’est développée, elle a déclaré qu’elle appréciait l’opportunité de partager ses résultats et de célébrer d’autres artistes.

Le musicien de Vancouver bbno$ se produit aux Juno Awards 2022 à Toronto. (CARAS/iPhoto)

Et puis il y a les artistes entre les deux, comme le bbno$ de Vancouver, dont les vers d’oreille Lalala et Edamame l’a aidé à attirer près de 550 millions de streams cette année. Dans son cas, Wrapped a ajouté une cerise très perceptible sur le dessus.

« Edamame diffusait à peu près, disons, environ 270 par jour, et hier, il en faisait environ 400 », a-t-il déclaré le lendemain du lancement de Spotify Wrapped. « Sans vraiment de raison. C’est juste que les gens se rappellent encore une fois que j’ai écouté bbno$ toute l’année, alors revenons en arrière et écoutons-le à nouveau. »

Malgré le fait que Spotify paierait un prix bas de l’industrie de moins d’un demi-cent par stream, il a dit que le compromis en valait la peine. Pendant la pandémie, l’un des plus des moments difficiles pour les musiciens pour faire carrière, il a déclaré que tout service pouvant aider les artistes à continuer en vaut la peine. Comme toute campagne, comme Wrapped, qui aide le service à prospérer, a-t-il ajouté.

« Qui s’en soucie? Il est toujours là », a-t-il déclaré, désignant le service de streaming comme sa grâce salvatrice lors de la perte de revenus de tournée provoquée par la pandémie. « J’ai une carrière dans le néant. Et que Dieu bénisse Spotify en même temps… Est-ce que je pense qu’il pourrait y avoir plus d’argent ? Absolument. Mais pour le moment, je vais bien. »

REGARDER | Les musiciens canadiens commentent l’impact de Spotify Wrapped :

Spotify Wrapped un coup de pouce pour les musiciens canadiens

La tendance des médias sociaux Spotify Wrapped aide certains musiciens canadiens à recevoir un coup de pouce, en rappelant aux fans les morceaux qu’ils ont aimés cette année-là.

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Des architectes canadiens aident à lever la « malédiction » du mauvais son au célèbre Lincoln Center de New York

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Il y a une signature canadienne sur une poutre de l’un des édifices les plus emblématiques de New York : le David Geffen Hall, récemment rénové, du Lincoln Center for the Performing Arts, qui abrite l’Orchestre philharmonique de New York.

Gary McCluskie, architecte principal chez Diamond Schmitt Architects à Toronto, peut vous montrer exactement où se trouve la signature. Il l’a installé lui-même dans les dernières étapes d’une rénovation de 550 millions de dollars américains que son équipe a aidé à terminer avant la réouverture de la salle en octobre dernier.

Ce fut un moment de fierté pour McCluskie après un long voyage qui a commencé par un appel en 2016 demandant à l’équipe canadienne de résoudre un problème notoire dans le cœur culturel des États-Unis – à savoir, l’une de ses plus grandes salles de concert avait la réputation d’être terrible son.

« Le défi de Geffen Hall était que l’acoustique de la salle n’était jamais excellente et qu’elle n’a jamais égalé la grandeur de l’orchestre », a déclaré McCluskie.

L’acoustique était si terrible que certains ont commencé à l’appeler une malédiction après que deux rénovations coûteuses n’aient pas résolu le problème.

Le problème, selon l’actuelle PDG du New York Philharmonic, Deborah Borda, était évident dès l’ouverture de la salle en 1962. (Il s’appelait à l’origine Philharmonic Hall, suivi d’Avery Fisher Hall en l’honneur d’un philanthrope qui a fait don de 10,5 millions de dollars en 1973 En 2015, il a été nommé d’après le magnat du divertissement David Geffen, qui a fait don de 100 millions de dollars dans le cadre d’une campagne de financement et a remporté les droits de dénomination.)

« En fait, c’était magnifique à l’intérieur. Max Abramovitz en était l’architecte », a déclaré Borda. « Le problème était que vous ne pouviez pas entendre. Tout le monde le savait tout de suite. Le son n’était pas bon de l’orchestre, et l’orchestre [members] ne s’entendait pas sur scène. »

Le David Geffen Hall, récemment rénové, se reflète dans la fontaine Revson en août 2022, à New York. Le projet de rénovation a été dirigé par la firme torontoise Diamond Schmitt Architects, qui a été sélectionnée en 2016 et chargée de résoudre le problème d’acoustique de la salle de concert. (Mary Altaffer/Associated Press)

Diamond Schmitt a décroché le contrat convoité pour repenser la salle et résoudre une fois pour toutes un problème qui la tourmente depuis des décennies.

La nouvelle salle de concert a lancé sa saison 2022-23 l’automne dernier, et au dire de tous, la soi-disant malédiction a été levée. Les mécènes, musiciens et critiques ont offert des critiques élogieuses.

Le New York Times a qualifié le son de « brillant et lucide » et le Washington Post a décrit l’expérience « comme si vous étiez à l’intérieur du corps d’un instrument ».

Vue d'artiste d'une salle de concert.
Un dessin architectural de l’extérieur de David Geffen Hall montre les plans de rénovation de Diamond Schmitt Architects pour le bâtiment. (Diamond Schmitt Architectes)

Fixer le son

Colin Williams, tromboniste principal associé, a rejoint l’Orchestre philharmonique de New York en 2014. Lorsqu’il a entendu parler de la dernière tentative pour résoudre le problème, il a retenu son souffle.

« Oh mon Dieu, s’il vous plaît, laissez-les lever la malédiction cette fois », a-t-il dit. Il était fatigué de la qualité métallique de l’ancienne salle, qui aplatissait le son d’un orchestre de renommée mondiale. Il a déploré à quel point il sonnait mieux dans d’autres grandes salles où il a joué en Europe et en Asie.

Williams a déclaré que la différence que la rénovation a faite est comme passer du noir et blanc à la couleur.

REGARDER | Le tromboniste de l’Orchestre philharmonique de New York sur le nouveau son de la salle :

Le tromboniste de l’Orchestre philharmonique de New York sur le nouveau son

Colin Williams, trombone solo associé du New York Philharmonic, compare le son de David Geffen Hall au Lincoln Center avant et après la refonte.

« Beaucoup de ces sons se mélangent en quelque sorte », a-t-il déclaré. Maintenant, « il y a tellement plus de chaleur dans le son. Maintenant, il y a de la clarté. »

Diamond Schmitt a travaillé avec la société Akustiks basée dans le Connecticut, les concepteurs de théâtre Fisher Dachs Associates et la société d’architecture new-yorkaise Tod Williams Billie Tsien.

Ensemble, ils avaient pour mission de repenser l’espace au service du son – des matériaux de construction aux textiles en passant par la forme de la salle.

L'intérieur d'une salle de concert vide.
Les ouvriers du bâtiment installent des réflecteurs acoustiques dans le théâtre Wu Tsai récemment rénové du David Geffen Hall en août 2022. Après le début de la nouvelle saison de concerts l’automne dernier, l’acoustique de la salle a reçu des critiques élogieuses après des décennies de problèmes. (Mary Altaffer/Associated Press)

« Le changement le plus important a peut-être été de déplacer l’orchestre », a déclaré Paul Scarborough, concepteur principal chez Akustiks. « Nous avons sorti la scène de 25 pieds dans la salle pour rapprocher tout le monde de ce qui se passait sur scène. »

Fini l’intérieur plus traditionnel de la boîte à chaussures, qui avait une scène de style proscenium qui créait une séparation claire entre les interprètes et le public.

Avec 500 sièges supprimés – ramenant la salle à 2 200 – Diamond Schmitt a créé un agencement de sièges de type vignoble avec de nombreuses courbes pour permettre au public de s’enrouler autour de la scène. Il y a même toute une section de sièges derrière les artistes.

Un homme portant un casque signe une poutre pendant qu'une femme regarde.
Gary McCluskie, architecte principal chez Diamond Schmitt Architects de Toronto, signe une poutre avec l’architecte Sybil Wa, à l’intérieur d’une feuille d’érable lors des dernières étapes de la rénovation du David Geffen Hall. (Soumis par Diamond Schmitt Architects)

« Cette idée d’une expérience surround serait un changement fondamental dans la façon dont le public expérimente la musique », a déclaré McCluskie, « mais créerait également l’opportunité d’améliorer vraiment, vraiment considérablement la qualité de ce son. »

Il a souligné la combinaison de matériaux en bronze et de textiles chaleureux, les panneaux en bois de hêtre et les sièges en noyer, tous choisis pour compléter ou améliorer le son. Il y a un sentiment instantané dans la pièce, comme l’a décrit le Washington Post, d’être à l’intérieur d’un instrument de musique.

« Donc [with] chaque matériau, nous pensons vraiment à la façon dont il fonctionnera ensemble en tant qu’ensemble, comment il fonctionnera ensemble de manière coordonnée pour créer une sensation dans la pièce », a déclaré McCluskie.

Plus qu’un simple son

S’il était difficile d’obtenir le son de la salle d’orchestre, les architectes et les concepteurs ont également dû faire face à un autre problème dans l’histoire du Lincoln Center.

Afin de créer un centre massif pour le ballet, l’opéra et l’orchestre de New York dans les années 1960, la ville a dû démolir un quartier noir et portoricain animé dans l’Upper West Side de Manhattan. La refonte de David Geffen Hall visait à remédier à cette injustice.

Pour commencer, les espaces sociaux à l’extérieur de la salle de concert ont été ouverts en créant un chemin clair de la place extérieure au hall intérieur qui est ouvert toute la journée au public. L’espace dispose d’un café et d’écrans géants qui diffusent gratuitement des concerts en direct. Il y a aussi une nouvelle zone de performance visible de l’extérieur, appelée Sidewalk Studio.

Une femme portant un masque joue du violon dans le cadre d'un quatuor à cordes à l'extérieur.
Des musiciens du New York Philharmonic jouent dans un parc avec trottoir en face du David Geffen Hall au Lincoln Center en juillet 2020, lors de leur première représentation publique depuis la fermeture de l’orchestre en mars 2020, en raison de la pandémie de COVID-19. (Mike Segar/Reuters)

« Ce que nous disons à la ville de New York, c’est: » Entrez, nous vous souhaitons la bienvenue «  », a déclaré l’architecte Billie Tsien lors du dévoilement des plans du projet il y a trois ans.

Comme le dit McCluskie, il y a presque une qualité symphonique dans la façon dont le projet a commencé puis s’est terminé avec la grande finale accélérant une pandémie.

Il a dit qu’il n’oublierait jamais le moment où il a reçu l’appel, un jour de printemps 2016, après un long processus d’appel d’offres pour le projet. « C’est une icône de l’architecture du XXe siècle en Amérique du Nord et dans le monde. C’était donc le projet d’une vie. »

Pour l’équipe de Diamond Schmitt, le projet a été la couronne d’un curriculum vitae prestigieux qui les a aidés à décrocher le poste au Lincoln Center en premier lieu. Leur travail comprend la refonte du Four Seasons Centre for the Performing Arts à Toronto, de la Maison Symphonique à Montréal et du Centre national des Arts à Ottawa.

« Le simple fait d’avoir l’occasion de mettre à profit notre savoir-faire que nous avons développé au Canada et de l’apporter au monde est une véritable source de fierté pour nous », a déclaré McCluskie.

D’où la signature canadienne dans David Geffen Hall, cachée sous un plafond, d’une feuille d’érable géante.

Un chef d'orchestre répète avec des musiciens dans un orchestre.
Le directeur musical Jaap van Zweden dirige la première répétition de la saison 2022-2023 de l’Orchestre philharmonique de New York au David Geffen Hall le 19 septembre 2022. La salle rénovée a ouvert ses portes le 8 octobre, le premier concert de l’orchestre depuis le 10 mars 2020, en raison à la pandémie. (Ronald Blum/Associated Press)

Le faire

On craignait que la pandémie de COVID-19 ne bloque le projet, mais grâce au don de 100 millions de dollars de Geffen, la rénovation s’est accélérée pendant la période de verrouillage. Il a été réalisé dans les délais et en deçà du budget.

Lors de la cérémonie d’inauguration du 8 octobre, la gouverneure de New York, Kathy Hochul, a exprimé sa grande fierté quant à l’achèvement du projet.

« Les gens regarderont cela en arrière et diront que c’était notre époque géniale », a-t-elle déclaré. « Les gens regarderont en arrière et diront que vous étiez les mécènes, les visionnaires, les gens qui ont dit: » Nous pouvons le faire. «  »

Un homme portant des lunettes se tient dans le coin salon d'une salle de concert.
Henry Timms, président et chef de la direction du Lincoln Center for the Performing Arts, est présenté au théâtre Wu Tsai au David Geffen Hall en août 2022, à la suite du projet de rénovation. (Mary Altaffer/Associated Press)

Ce sentiment de on a fait ça a vraiment atterri lors d’une répétition top secrète l’été dernier à laquelle ont participé les dirigeants du projet, les donateurs, les designers, les musiciens et l’équipe de McCluskie. Les toutes premières notes d’Anton Bruckner Symphonie n° 7 en mi majeur leur a donné la réponse qu’ils cherchaient.

« Si vous écoutez ce morceau de musique, la façon dont il commence tranquillement et doucement avec les cordes, puis le reste de l’orchestre s’appuie sur [it] … la qualité de ce son s’agrandit dans l’espace », a déclaré McCluskie. « Vous pouviez entendre tout cela dans les trois premières minutes. »

Il a dit que toutes les personnes présentes ce jour-là étaient en larmes.

Pour Colin Williams et les autres membres de l’Orchestre philharmonique de New York, le nouvel espace signifie un foyer légitime pour la musique.

« Peut-être que tous les 50 à 60 ans, un orchestre subit une transformation comme celle-ci », a-t-il déclaré. « Faire partie de cette réinvention, non seulement de l’espace mais du son de l’orchestre, c’est une chose incroyable. »

REGARDER | « J’ai eu la chair de poule », dit le violoniste :

Le violoniste de l’Orchestre philharmonique de New York, Na Sun, décrit le son du Geffen Hall récemment rénové du Lincoln Center.

Pour Borda, la concrétisation du projet complète un cheminement personnel. Elle a en fait quitté le New York Philharmonic dans les années 1990, frustrée par les rénovations ratées. Elle a passé des décennies en Californie à la tête de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, où elle a travaillé avec un autre architecte célèbre d’origine canadienne, Frank Gehry, au Walt Disney Concert Hall.

Borda a été rappelé à New York lorsque le projet du Lincoln Center a obtenu le financement de la refonte.

« Je dis rarement cela: je suis dans ce métier depuis longtemps. Cela s’est avéré au-delà de mes attentes », a-t-elle déclaré.

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Un boulanger de Winnipeg fleurit d’excitation alors que les créations cuites atterrissent dans des sacs à butin aux Grammy Awards

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Les vedettes internationales du disque qui assistent aux Grammy Awards à Los Angeles ce week-end trouveront dans leurs sacs à surprises une gâterie d’un boulanger de Winnipeg.

Dimanche, les «pétales pop» ornés de fleurs comestibles de Rachel Nedelec seront dans les sacs-cadeaux destinés aux gagnants, aux interprètes et aux présentateurs lors de la 65e cérémonie annuelle des prix de la musique.

Nedelec, propriétaire de Flour and Flower, dit que la pensée d’artistes de renommée internationale, dont Lizzo et Adele, mangeant ses pâtisseries est incroyable.

« Complètement surréaliste », a déclaré Nedelec à CBC Jusqu’à la vitesse l’hôte invité Cory Funk vendredi. « Je ne pense pas que ce soit encore vraiment enfoncé. »

Nedelec a obtenu la grande chance en recherchant sur Google la remise des prix pour comprendre comment obtenir une place dans les sacs de cadeaux. Elle a présenté ses produits dans un e-mail en pensant qu’il n’en sortirait pas grand-chose.

Le lendemain, elle a reçu une réponse disant que son produit était parfait pour les Grammys. Ils lui ont demandé d’expédier un lot la semaine suivante.

« Nous avons travaillé de longues journées … et les avons expédiés aussi vite que possible », a déclaré Nedelec.

Rachel Nedelec, propriétaire de Flour and Flower, est ravie que ses produits de boulangerie aient trouvé une place dans les sacs à butin aux Grammy Awards dimanche. (Courtney Champagne)

Elle et le personnel ont cuit 525 pétales de chocolat blanc, chacun contenant une fleur comestible. Chacun des 175 goodies bags contiendra une boîte contenant trois de ses créations.

« A quel point était-ce difficile émotionnellement parlant? Ce n’était pas le meilleur », a déclaré Nedelec en riant.

Flour and Flower n’est pas la première entreprise de Winnipeg à se retrouver avec ses produits illuminant les sacs de butin lors de grandes cérémonies de remise de prix.

Des fleurs comestibles ornent les pâtisseries sur bâtonnets.
Les «pétales pops» comprennent des fleurs comestibles en chocolat blanc pur. (Madison LE Photographie)

Coal and Canary Candle Company a ajouté ses bougies à des sacs-cadeaux lors des Oscars et des Grammy Awards en 2015, trois mois seulement après la création de l’entreprise.

« C’était de zéro à 100 », a déclaré Amanda Buhse, PDG de l’entreprise.

« La notoriété de la marque, les clients que vous allez développer… avoir ces célébrités de premier plan qui ont entre les mains votre produit que vous avez fait à la main – c’est assez spécial. »

Un gâteau au chocolat blanc comprend une couche au milieu de fleurs blanches comestibles.
Ce gâteau au chocolat végétalien, une autre des délicieuses créations de Rachel Nedelec, comprend une couche de roses blanches comestibles, avec des fleurs de Lisianthus au milieu. (Madison LE Photographie)

L’une des histoires qui a marqué Buhse s’est produite quelques mois après la remise des prix en 2015. Elle a reçu un appel d’un numéro inconnu avec un indicatif régional de New York.

« C’était le coiffeur de Beyoncé et il possède un salon à New York et il s’est dit : ‘Hé, j’adorerais envisager de les vendre en gros, je les ai vus chez elle et je les adore' », se souvient Buhse.

« Même à ce jour, le simple fait de dire ça à haute voix est fou. »

Buhse dit qu’elle est ravie que son amie Nedelec connaisse une opportunité similaire.

Elle avait quelques mots de conseils: « Savourez-le. »

Jusqu’à la vitesse8:39Les pâtisseries d’un boulanger de Winnipeg se sont rendues aux Grammy Awards

Lizzo, Kendrik Lamar et les membres d’ABBA pourraient très bien grignoter une pâtisserie faite à Winnipeg aux Grammy Awards dimanche. L’hôte invité Cory Funk a entendu Rachel Nedelec, la propriétaire de Flour and Flower, expliquer comment ses friandises se sont retrouvées dans le sac cadeau Grammy.

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La scène hip-hop québécoise est plus bilingue que jamais — mais les maux de tête linguistiques persistent

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En grandissant dans la petite ville francophone de Rouyn-Noranda au Québec, Zach Zoya n’a pas eu accès à beaucoup de musique hip-hop. L’artiste, dont la langue maternelle est le français mais qui se produit en anglais, dit que ses sœurs lui ont fait découvrir un nouveau son à l’adolescence.

« C’est à ce moment-là que j’ai goûté au hip-hop pour la première fois : les premiers Kanyes, les premiers Drakes, les premiers 50 Cents », a-t-il déclaré à CBC News.

Zoya fait partie d’une scène hip-hop et rap anglophone naissante au Québec, parallèle à la signature de la province rap queb son – une tradition majoritairement francophone marquée par l’utilisation du franglais, mélangeant le français et l’anglais, et de l’argot québécois, connu sous le nom de joual.

Autrefois considérées comme des marchés entièrement distincts avec des publics différents, les deux industries sont de plus en plus étroitement liées, réécrivant le hip-hop québécois comme une activité bilingue.

« J’ai eu beaucoup de chance de venir à un moment formidable pour le hip-hop à Montréal », a déclaré le jeune homme de 24 ans, qui a émergé sur la scène lorsqu’il a commencé à rapper à 16 ans. Il a fait la première partie d’éminents groupes de rap francophones comme Loud et Ensemble Alaclair.

« Je pense que maintenant plus que jamais, nous avons une scène bilingue, ce qui, je pense, était très ségrégué, faute d’un meilleur mot… J’aime penser que nous arrivons à un point où il n’y a qu’une seule grande scène . »

Mais l’injection d’un esprit collaboratif et bilingue dans le hip-hop québécois n’est pas sans difficultés dans une province où le protectionnisme français est une considération importante pour les artistes et les organisations, selon ceux qui travaillent dans l’industrie.

Problèmes de langue

Une pollinisation croisée entre les scènes de rap anglophones et francophones au Québec devient de plus en plus courante, selon Steve Jolin, le fondateur du label de rap montréalais 7ieme Ciel.

Il mentionne des rappeurs québécois comme FouKi et Nate Husser, qui ont sorti ensemble un titre franglais très médiatisé intitulé Sauce Poutine en 2021 — et Zoya, que dirige Jolin, a collaboré avec le rappeur francophone Imposs sur un remix de sa chanson Recommencer.

REGARDER | Le clip de Sauce Poutine de FouKi et Nate Husser :


Le défi pour les artistes anglophones du Québec est double, dit Jolin : ils doivent s’établir dans le marché à prédominance francophone de leur province d’origine tout en trouvant un moyen de se démarquer dans le marché anglophone sursaturé.

« Il existe actuellement un système au Québec qui est très orienté vers le français », a-t-il déclaré. La scène hip-hop anglophone du Canada, quant à elle, est fortement concentrée à Toronto et à Vancouver.

« Il devient donc plus difficile pour les artistes anglophones du Québec de se démarquer comme l’un des nombreux artistes du Canada qui essaient de faire leur marque. »

Bien que vous puissiez réussir en tant qu’artiste hip-hop français au Québec (tournant 35 à 40 dates par an dans la région, selon l’estimation de Jolin), certains artistes francophones choisissent plutôt de travailler en anglais pour toucher un public plus large.

Le producteur lavallois Kevin Vincent, qui interprète HighKlassified, a travaillé avec Zach Zoya, The Weeknd et Future. (Audrey Alexandrescu)

Kevin Vincent, un producteur de Laval, au Québec, qui compte parmi ses collaborateurs Zoya, The Weeknd et Future, a suivi la voie anglaise et travaille maintenant majoritairement avec des artistes américains. Mais il craint que cela ne le désavantage pendant le processus de demande de subvention.

« Ça dépend [on] à quel point vous voulez être reconnu dans votre ville et cela dépend de votre objectif », a-t-il déclaré. « Parce que si votre objectif est simplement d’exploser et d’obtenir une reconnaissance internationale, vous n’avez pas vraiment à vous soucier d’avoir le timbre du Québec. [of approval]. »

« L’anglais aura plus d’opportunités dans le monde, mais moins de soutien du Québec en termes de subventions et de prix », a-t-il ajouté.

Une récompense conditionnelle

L’industrie de la musique au Québec maintient depuis longtemps une solide infrastructure de soutien aux artistes francophones afin de protéger la langue et la culture françaises. Les subventions du secteur français de la province ont généralement des stipulations liées à la langue pour s’assurer que la majorité des projets d’un artiste sont en français.

Musicaction, qui opère sous le Fonds de la musique du Canada en tant qu’organisme subventionnaire français, a déclaré à CBC News dans un courriel que les projets individuels doivent être composés de contenu à 70% français.

Certains des artistes les plus réussis de la province des années 2010 – comme Dead Obies, qui rappe en anglais, en français et en créole haïtien – ont attribué à la langue des allers-retours en permettant une plus grande flexibilité dans leurs styles de rap.

Mais ce groupe a tristement dû rendre une subvention Musicaction de 18 000 $ lorsque leur album de 2016 Gesamtkunstwerk n’était pas admissible selon les lignes directrices de l’organisme. Il n’était pas non plus admissible aux termes de l’homologue anglophone de Musicaction, FACTOR.

REGARDER | Recommencer de Zach Zoya feat. Benny Adam :


Zoya a déclaré que les stipulations sont une nécessité pour la survie de la langue française au Québec et dans le reste du Canada, mais ajoute que les règles peuvent entraver le processus de création, en particulier lors de collaborations interlinguistiques.

« Même les groupes français doivent faire face au fait que si vous demandez à un groupe anglais de faire le refrain ou de faire un couplet sur votre chanson, vous devez vous assurer que la chanson est toujours majoritairement française », a déclaré Zoya. « Donc, ce genre de raccourcit le processus de création. »

« J’aimerais que ce soit mieux », a-t-il ajouté.

Zoya dit qu’il bénéficie principalement de subventions fédérales. Jolin dit qu’un problème commun aux artistes anglophones du Québec est qu’ils ne savent pas souvent à quoi ils sont éligibles. Parmi leurs options figurent le Radio Starmaker Fund et le programme Orion, ainsi que des programmes offerts par le Conseil des arts et lettres du Québec, a-t-il dit.

« Vous pouvez faire votre marque, mais c’est très difficile en ce moment de se démarquer d’être à Montréal », a-t-il dit, ajoutant que le rap est un genre « territorial » en raison de sa nature hautement référentielle.

« Ces choses prennent du temps »

Naya Ali, une rappeuse éthiopienne-canadienne basée à Montréal, a déclaré que la scène française reste plus distinctive que la scène anglaise relativement jeune.

Son morceau bilingue Parler de chèvre (Remixer) a réuni l’artiste hip-hop d’origine marocaine et montréalaise Benny Adam et le rappeur québécois White-B.

Une femme portant une veste colorée.
Naya Ali est une rappeuse éthiopienne canadienne qui dit que la scène hip-hop anglophone du Québec est toujours en lice pour le succès international. (Radio-Canada)

La scène anglophone est « encore assez naissante, elle n’en est qu’à ses balbutiements », a-t-elle déclaré. « Il y a quelques-uns d’entre nous qui ont traversé les frontières internationales et apportons les sons d’où nous venons, mais c’est surtout Toronto. »

« Ce n’est pas une mauvaise chose », a-t-elle déclaré. « Ces choses prennent du temps. »

« La jeune génération aime vraiment, vraiment la musique québécoise », a déclaré Vincent. « Parce qu’à l’époque où j’ai commencé, la plupart des gens autour de moi [usually said that] ils vont donner la priorité à la musique américaine. »

Zoya – qui, contrairement à son pair Ali, se considère comme un rap queb artiste « pour le simple fait que je rappe, et que je suis [Quebecois] »- dit que le hip-hop québécois n’a pas encore tout à fait fait sa percée sur la scène mondiale.

« C’est mieux que jamais, mais je pense qu’il y a encore trop de séparation pour que nous venions en tant que groupe pour former une identité forte que tout le monde puisse reconnaître à l’échelle internationale, mondiale. »

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